Présenté au Nova dans le cadre du «7e Parallèle», le premier film du Hongrois Nimród Antal a été remarqué un peu partout dans les festivals, notamment cet été à Bruxelles aux Cinédécouvertes organisées par la Cinémathèque royale. Plastiquement remarquable, "Kontroll" décrit un univers sombre, à la fois réaliste et cauchemardesque, celui du métro de Budapest, où une équipe de contrôleurs doit faire face à la menace d'un tueur en série, qui pousse les voyageurs sous les rames... Un portrait sans consessions, superbe et efficace de la déshumanisation urbaine, à défaut d'être vraiment original. (H.H.)

Précédé d’une réputation enviable, nul doute que “Saw” saura séduire le public affamé de sensations fortes du Passage 44, comme il a réussi à captiver les foules outre-Atlantique où il a fait un tabac. Comment résister en effet à cet agréable jeu de pistes à mi-chemin entre “Cube” et “Seven” qui voit deux hommes qui ne se connaissent ni d'Eve ni d'Adam se réveiller, enchaînés, dans une salle de bain des plus glauques... Leur objectif? La survie à n'importe quel prix, quitte à devoir éliminer son compagnon d'infortune! Même si le réalisateur James Wan n’a ni le talent de Natali, ni celui de Fincher, il livre néanmoins un divertissement en forme de casse-tête des plus habiles, rehaussé par la présence de Danny Glover. (H.H.)

Présenté au dernier festival de Berlin, "Dumplings", de Fruit Chan, a séduit par une approche radicalement différente et appétissante de l'horreur. L'intrigue tourne en effet autour d'une femme (la sublime Bai Ling) spécialisée dans le commerce de dumplings (les raviolis chinois), qu'elle farçit... d'embryons humains. La version courte du film (dont la fin a changé) est insérée dans ce "Three Extremes", où le réalisateur chinois côtoie d'autres allumés comme le Japonais Takashi Miike ("Gozu") et le Coréen Park Chan-wook ("Old Boy"). Renouvelant l'expérience de "Three", qui réunissait des moyens métrages de Peter Chan, Kim Ji-woon & Nonzee Nimibutr, ce nouveau collage asiatique devrait ravir les fanas de l'horreur à la sauce hoisin. (H.H.)

Présenté au Nova dans le cadre du «7e Parallèle», le premier film du Hongrois Nimród Antal a été remarqué un peu partout dans les festivals, notamment cet été à Bruxelles aux Cinédécouvertes organisées par la Cinémathèque royale. Plastiquement remarquable, "Kontroll" décrit un univers sombre, à la fois réaliste et cauchemardesque, celui du métro de Budapest, où une équipe de contrôleurs doit faire face à la menace d'un tueur en série, qui pousse les voyageurs sous les rames... Un portrait sans consessions, superbe et efficace de la déshumanisation urbaine, à défaut d'être vraiment original. (H.H.)

Présenté en compétition internationale et européenne, “Trouble” est le nouveau film du Belge Harry Cleven, après notamment "Pourquoi se marier le jour de la fin du monde?". Le Liégeois embarque Benoît Magimel, Natacha Regnier et Olivier Gourmet dans un récit embrouillé jouant sur l’image du double quand Mathyas retrouve, après 20 ans de séparation, son jumeau Thomas dont il avait oublié l’existence. Malgré ses nombreuses récompenses au dernier Festival de Gérardmer, dont le Grand Prix du jury, “Trouble” peine à captiver, notamment par un manque de limpidité et un recours abusif à toutes les ficelles convenues de la série B fantastique américaine. Dommage quand on bénéficie d'un tel casting! (H.H.)

Avec “Cámara oscura” (“Deadly Cargo”), l’Espagnol Pau Freixas signe un survival tout ce qu'il y a de plus classique, sinon qu’il a l’idée saugrenue de se dérouler sur un navire marchand russe où se sonte réfugiés une bande de jeunes plongeurs espagnols en péril. Au vu des marins mafieux qui hantent le navire, ils auraient peut-être mieux fait de rester au milieu des requins… Outre ce décor exotique, le film n'apporte rien de neuf, traçant tranquillement la route vers une résolution des plus convenues. (H.H.)

Une fois n'est pas coutume, la Corée déçoit... En effet, avec "Bunshinsaba", Byung-ki Ahn n’apporte rien de neuf sous le soleil, se contentant de filer une énième histoire de fantôme asiatique - aux longs cheveux noirs de jais bien évidemment - dans un petit village perdu où une malédiction semble avoir été réveillée par un groupe de lycéennes. Dommage car, comme d'habitude, l'image est léchée et le casting convainquant. Non dépourvu d'intérêt en soi, ce film est néanmoins le signe d'un essoufflement de l'horreur asiatique, qui se contente souvent aujourd'hui de surfer sur le succès des "Ring" et autres "The Eye". (H.H.)

Dans son genre, le thriller à la frontière entre fantastique et psychologique, « Spider Forest » marque une pierre blanche par sa virtuosité tant formelle que scénaristique. Sans se soucier de faciliter la compréhension du spectateur, Song Il-gon livre une œuvre touffue, entièrement construite autour d’un personnage central, le jeune journaliste Kang Min, qui sombre peu à dans la folie après avoir découvert les corps mutilés de son patron et de sa maîtresse. Le réalisateur coréen se montre maître dans l’art de mettre en images la schizophrénie grâce à une esthétique oscillant entre réalisme et mystère, concentrant tous les fantasmes, les obsessions mais aussi les souvenirs du héros au cœur d’une étrange forêt aux araignées hantée par les esprits des morts oubliés… Violent, beau et poétique, jouant sur les ambiances, les échos et répétitions du récit, « Spider Forest » se révèle au final agréablement frustrant et laisse une trace indélébile dans la mémoire. (H.H.)

Dans son genre, le thriller à la frontière entre fantastique et psychologique, « Spider Forest » marque une pierre blanche par sa virtuosité tant formelle que scénaristique. Sans se soucier de faciliter la compréhension du spectateur, Song Il-gon livre une œuvre touffue, entièrement construite autour d’un personnage central, le jeune journaliste Kang Min, qui sombre peu à dans la folie après avoir découvert les corps mutilés de son patron et de sa maîtresse. Le réalisateur coréen se montre maître dans l’art de mettre en images la schizophrénie grâce à une esthétique oscillant entre réalisme et mystère, concentrant tous les fantasmes, les obsessions mais aussi les souvenirs du héros au cœur d’une étrange forêt aux araignées hantée par les esprits des morts oubliés… Violent, beau et poétique, jouant sur les ambiances, les échos et répétitions du récit, « Spider Forest » se révèle au final agréablement frustrant et laisse une trace indélébile dans la mémoire. (H.H.)

Peu connu encore chez nous, le Britannique Marc Evans s'essaye avec “Trauma” au thriller psychologique, sur les traces de Ben (Colin Firth), qui sort d’un coma consécutif à un accident de voiture dans lequel est morte sa femme. Tentant de se reconstruire, le bonhomme est pris d'hallucinations de plus en plus fréquentes et de plus en plus effrayantes. Cette exploration de la schizophrénie bénéficie de la présence de Mena Surivari et d'une image léchée mais manque malheureusement d’un minimum de cohérence pour vraiment tenir le spectateur en haleine. Dommage car l'univers créé, très organique, est fort séduisant et aurait mérité d'être mieux exploité. (H.H.)

Déjà auteur d’un moyen métrage fort remarqué au titre évocateur, « Ceci est une pipe », le trio formé par Patrick-Mario Bernard, Xavier Brillat et Pierre Trividic s’essaye ici à un long métrage fauché. Surfant entre intrigue fantastique et cinéma expérimental, « Dancing » conte l’histoire d’un couple d’artistes français, René et Patrick, installés depuis quelques mois dans un dancing désaffecté, isolé sur la côte bretonne. Les journées passent et se ressemblent jusqu’au jour où René est sujet à d’étranges hallucinations, voyant son double partout, à la télévision, dans les journaux et… au sous-sol de son atelier. Réussissant dans une première partie à installer un climat d’angoisse résolument différent, décrivant un univers en régression, se refermant sur le héros, le film se perd alors dans une exploration du ridicule. Non sans offrir au passage quelques réflexions sur la différence, associée ici à la gémellité, et sur le mariage homosexuel. Une œuvre résolument en marge de la production courante qui a néanmoins du mal à créer l’adhésion des spectateurs, même s’il parvient à leur insuffler une impression malsaine de bout en bout. (H.H.)

Présenté en compétition internationale et européenne, “Hypnos” prouve une fois de plus que l’Espagne est une terre d’élection du fantastique. Sur les traces d’Amenábar ("Abre Los Oros", "The Others") et de Balagueró ("Los sin nombre"), David Carreras signe un suspens schizophrénique intense, jouant habilement des références et des attentes des spectateurs, s'autorisant même un renversement final attendu mais superbement bien amené. Le tout dans un hôpital psychiatrique dirigé par le Dr Blanch (Feodor Atkine), dont le comportement étrange avec certains patients intrigue de plus en plus la jeune et très jolie psychiatre Béatriz Vargas (Cristina Brondo)… (H.H.)

Même si l’on ne peut pas parler de film fantastique en ce qui concerne cette troisième œuvre de Katsuhito Ishii (par ailleurs membre du Jury international), « The taste of Tea » est sans aucun doute l’une des plus belles surprises de ce 23e Bifff. En décrivant le quotidien d’une famille japonaise traditionnelle, les Haruno, le réalisateur s’amuse à faire ressortir les petits travers de chacun. Ainsi, le fils Hajime voit-il régulièrement un train sortir de sa tête, sa petite sœur Sachiko est-elle suivie constamment par une jumelle géante, tandis que le grand-père gâteux passe ses journées à chanter et à danser. Légèrement acidulée, cette chronique tout en finesse parvient à mêler à un traitement très manga de l’histoire une poésie de tous les instants. Alternant scènes lentes, par moments simplement contemplatives, et moments d’explosion comique (une mémorable scène de kakaroké), surréaliste (l’arrivée d’un super-héros dans un train) ou sentimentale (la mort du grand-père), « The Taste of Tea » finit de convaincre que le cinéma japonais est capable des meilleures choses; Ishii emboîtant ici avec bonheur le pas de ses aînés Takeshi Kitano ou Shohei Imamura. (H.H.)

Déjà auteur d’un moyen métrage fort remarqué au titre évocateur, « Ceci est une pipe », le trio formé par Patrick-Mario Bernard, Xavier Brillat et Pierre Trividic s’essaye ici à un long métrage fauché. Surfant entre intrigue fantastique et cinéma expérimental, « Dancing » conte l’histoire d’un couple d’artistes français, René et Patrick, installés depuis quelques mois dans un dancing désaffecté, isolé sur la côte bretonne. Les journées passent et se ressemblent jusqu’au jour où René est sujet à d’étranges hallucinations, voyant son double partout, à la télévision, dans les journaux et… au sous-sol de son atelier. Réussissant dans une première partie à installer un climat d’angoisse résolument différent, décrivant un univers en régression, se refermant sur le héros, le film se perd alors dans une exploration du ridicule. Non sans offrir au passage quelques réflexions sur la différence, associée ici à la gémellité, et sur le mariage homosexuel. Une œuvre résolument en marge de la production courante qui a néanmoins du mal à créer l’adhésion des spectateurs, même s’il parvient à leur insuffler une impression malsaine de bout en bout. (H.H.)

Présenté comme un thriller horrifique sur le monde pourri de la télé italienne et ses liens étroits avec le gouvernement Berlusconi, ce second long métrage d’Alex Infascelli, après « Almost Blue » (présenté au Biff il y a quatre ans), se révèle finalement tout sauf subversif. Pas étonnant quand on sait qu’il a été financé par… la RAI ! On se retrouve en effet face à un mauvais téléfilm qui voit un participant malheureux à un talk-show kidnapper l’ensemble de ses invités. Le jeune réalisateur italien se contente d’appliquer scrupuleusement la recette: 1 dose de « Seven » + 1 dose d’humour lourdingue + 1 dose de gore = 1 daube. Sans jamais faire preuve d’aucune originalité : scénario linéaire et prévisible, réalisation médiocre, acteurs à côté de leur sujet (malgré la présence de Margherita Buy)… A éviter. (H.H.)

Suite au succès du “Cercle”, excellent hollywoodien remake signé Gore Verbinski du “Ringu” d’Hideo Nakata, les producteurs de Dreamworks n’allaient pas se priver d’une suite. On reprend donc les mêmes – ou presque – et on recommence. S’écartant heureusement du médiocre « Ringu 2 » japonais, le scénariste Ehren Kruger file une histoire simpliste autour des trois personnages principaux. Une fois encore, Rachel (Naomi Watts, égale à sa prestation précédente) devra mener l’enquête pour tenter de sauver son fils Aidan (décidément David Dorfman est l’un des kids les plus effrayants du cinéma américain avec ses airs adultes et suffisants) des griffes de l’infâme Samara, le fantôme de la petite fille qui hantait la fameuse K7 du premier épisode. Seule surprise, c’est Nakata lui-même qui réalise ce second opus, même s’il a bien du mal à imposer sa patte et à recréer le climat d’angoisse permanent qui prévalait à ses œuvres japonaises. (H.H.)

Même si l’on ne peut pas parler de film fantastique en ce qui concerne cette troisième œuvre de Katsuhito Ishii (par ailleurs membre du Jury international), « The taste of Tea » est sans aucun doute l’une des plus belles surprises de ce 23e Bifff. En décrivant le quotidien d’une famille japonaise traditionnelle, les Haruno, le réalisateur s’amuse à faire ressortir les petits travers de chacun. Ainsi, le fils Hajime voit-il régulièrement un train sortir de sa tête, sa petite sœur Sachiko est-elle suivie constamment par une jumelle géante, tandis que le grand-père gâteux passe ses journées à chanter et à danser. Légèrement acidulée, cette chronique tout en finesse parvient à mêler à un traitement très manga de l’histoire une poésie de tous les instants. Alternant scènes lentes, par moments simplement contemplatives, et moments d’explosion comique (une mémorable scène de kakaroké), surréaliste (l’arrivée d’un super-héros dans un train) ou sentimentale (la mort du grand-père), « The Taste of Tea » finit de convaincre que le cinéma japonais est capable des meilleures choses; Ishii emboîtant ici avec bonheur le pas de ses aînés Takeshi Kitano ou Shohei Imamura. (H.H.)

Délaissant son frère Danny, avec qui il avait réalisé le magnifique “The Eye” - ainsi que sa suite, "The Eye 2", nettement moins mémorable -, Oxyde Pang revient aux fourneaux avec "Ab-Normal Beauty". Dans une première partie brillante, le cinéaste de Hong Kong s’attache à décrire et surtout à mettre en images la fascination de la jeune Jiney pour la mort, qu’elle mitraille avec son appareil photo… Malheureusement, le film dérape au final vers une fort quelconque histoire de snuff movies. Dommage car Pang démontre une nouvelle fois sa parfaite maîtrise de la forme et des mécanismes qui déclenchent la peur chez le spectateur… (H.H.)

Très attendu, le premier film de Lucile Hadzihalilovic (la femme et productrice de Gaspar Noé) est plutôt désarçonnant. Tourné en Belgique, « Innocence » nous plonge dans un milieu qui sent le renfermé, celui d’un étrange pensionnat de jeunes filles où les nouvelles venues sortent d’un cercueil et où l’on procède régulièrement à un échange de rubans, dont la couleur marque l’état d’avancement des gamines dans leur parcours « scolaire », qui doit simplement leur permettre de sortir de ce microcosme complètement imperméable au monde extérieur. Avec le concours d’Hélène de Fougerolles et de Marion Cotaillard, mais aussi d’une belle bande de jeunes enfants, la réalisatrice française parvient à faire monter la tension sans aucun effet, jouant simplement avec les nerfs et la patience des spectateurs et multipliant les plans sur une nature a priori inoffensive. Car à tout instant, on se demande de quoi sera fait le futur des ces pensionnaires, notre imagination se chargeant évidemment d’envisager le pire. Abordant le thème de l’innocence et de sa perte, mais aussi le rôle social de la femme dans notre société, Lucile Hadzihalilovic surprend au final par la simplicité d’un film qui risque néanmoins de perdre les spectateurs dans une dissertation visuelle par moment longuette. (H.H.)

Enfin ! Takeshi Shimizu a accepté de lâcher son « Grudge » (dont il a réalisé pas moins de six versions) pour se concentrer sur un autre sujet et de manière beaucoup plus convaincante. Ici, point de fantômes aux longs cheveux noirs mais un univers souterrain secret, à la manière Schuiten et Peeters (la citation est presque explicite) où vivent d’étranges vampires aux airs de Gollum. Cette découverte, on va la faire à travers les yeux ou plutôt l’objectif de la caméra de Masuoka. Incapable de faire face à la réalité, ce caméraman indépendant ne se sépare en effet jamais de son outil de travail, qui lui sert de regard de substitution. Car ce sont les images qu’il filme qui vont lui permettre de plonger dans ce Tokyo souterrain et de rencontrer une jeune femme muette enchaînée nue à un rocher qu’il va ramener chez lui pour tenter de la ramener à l’humanité. Le rôle principal a été donné fort intelligemment au réalisateur Shinya Tsukamoto, l’homme derrière les « Tetsuo » mais aussi « Vital » (également présenté au Bifff). Mêlant description d’un univers parallèle et exploration en profondeur de la folie, Shimizu pousse plus loin le jeu sur les ambiances et la symbolique, rendant le propos sans

Très attendu, le premier film de Lucile Hadzihalilovic (la femme et productrice de Gaspar Noé) est plutôt désarçonnant. Tourné en Belgique, « Innocence » nous plonge dans un milieu qui sent le renfermé, celui d’un étrange pensionnat de jeunes filles où les nouvelles venues sortent d’un cercueil et où l’on procède régulièrement à un échange de rubans, dont la couleur marque l’état d’avancement des gamines dans leur parcours « scolaire », qui doit simplement leur permettre de sortir de ce microcosme complètement imperméable au monde extérieur. Avec le concours d’Hélène de Fougerolles et de Marion Cotaillard, mais aussi d’une belle bande de jeunes enfants, la réalisatrice française parvient à faire monter la tension sans aucun effet, jouant simplement avec les nerfs et la patience des spectateurs et multipliant les plans sur une nature a priori inoffensive. Car à tout instant, on se demande de quoi sera fait le futur des ces pensionnaires, notre imagination se chargeant évidemment d’envisager le pire. Abordant le thème de l’innocence et de sa perte, mais aussi le rôle social de la femme dans notre société, Lucile Hadzihalilovic surprend au final par la simplicité d’un film qui risque néanmoins de perdre les spectateurs dans une dissertation visuelle par moment longuette. (H.H.)